Ariel Gulluni - Ilustraciones y pinturas

Bocetos color

2011-12-21T03:05:00.001-03:00

Un par de rápidos (moderadamente) bocetos en óleo. El primero, una copia de Tiziano. Unas cuatro horas estimo. Capaz cinco. El segundo, una naturaleza muerta DEMASIADO improvisada. Unas cinco horas, aprox.

Prometeo

2011-12-21T02:15:00.000-03:00

Boceto en papel canson gris basado en escultura digital de Scott Eaton (2b y white chalk)

Apuntes del natural

2011-12-21T02:12:00.001-03:00

Aquí una serie de dibujos realizados durante el año en sesiones de modelo vivo

Las poses van de 15 min a 3 hs, aprox.

Tierra y Luz

2011-12-16T09:20:00.010-03:00

Les dejo algunas imágenes del proceso de mi último cuadro

El ensayo (I)

2011-10-28T14:17:00.009-03:00

Les dejo algunas fotos del proceso de la última pintura en la que estoy metido. Se trata de un desafío múltiple para mi, por varias razones.

Uno, suelo trabajar (caigo en la cuenta ahora) con pocos personajes por cuadro. Tan pocos como... uno. En este hay cinco. Segundo desafío: hay una situación espacial de perspectiva que es necesario resolver.

Y tercero, estoy experimentando con algunas ideas respecto al modo de trabajar, ideas que básicamente tienen que ver con trabajar distintas velocidades y opacidades de acuerdo al foco. Más rápido, más diluido y suelto en el fondo o lo que no quiero que se preste tanta atención, más cargado, más materia y más detalle donde quiero que se mire. Así mismo, estoy usando algunas ideas que tienen que ver con la compresión de la luz: amplío el rango en donde quiero llevar la mirada, lo reduzco donde quiero desenfocar. Cuestión que está muy divertido.

La situación es de un ensayo de una obra de teatro ("Vispera de elecciones") que dirige mi hermano (Aníbal Gulluni). Había algo de la escena que me llamaba poderosamente la atención. Una de las cosas que más me atraía, además de la escena en sí, era el hecho de que estuviera cruzándose entre los actores, completamente abstraído, casi fantasmáticamente. Decidí hacer algunas operaciones lumínicas, retrabajar la perspectiva y redibujar unas cuantas cosas. Eso, creo, fue lo más complejo. En fin, basta de palabras, aquí va el trabajo.

Copia de Phillipe de Champaigne

2011-10-05T10:02:00.003-03:00

Bueno, casi finitto. Puede que quede algún ajuste más, pero ya. Después de mucho meditar y muchos cambios de opinión, decidí no aplicarle color encima. La decisión se basó en que logré cierto efecto de vibración y transparencia (apreciable en vivo) que se juega entre las pinceladas y el fondo, efecto que empezaría a perderse de agregar más capas (ya sea monocromo o color, transparente, semitransparente u opaco), simplemente por superposición de capas, y dado que tengo una tendencia a "pulir" de más, preferí parar acá. Puede haber algun ajuste en la tela o en el pié, pero el resto, estamos.

Copia de "Cristo Yaciente", de Phillipe de Champaigne. 80x50cm

Philippe de Champaigne Master Copy (II)

2011-09-09T09:13:00.005-03:00

Philippe de Champaigne Master Copy (I)

2011-08-28T12:49:00.003-03:00

He aquí una copia en proceso de un cuadro (Cristo yaciente) de Philippe de Champaigne, quien según parece nació un 26 de mayo (eh! como yo!) de 1602, y falleció allá pór el año 1674.

Elegí esta obra porque me encantó el modo en que trabajó la anatomía y el modo en que iluminó el cuerpo. Aunque es Cristo (no podía ser de otra manera con esta gente) me hace acordar inequivocamente al Che. La idea es hacer el cuadro en grisalla, modelarlo casi por completo, y después aplicar películas transparentes y semitransparentes de color.

Es interesante ver, comparando esta copia con la de Ribera, cómo cada una te exige cosas diferentes, te hace pensar enfoques distintos, y te enseña algo novedoso. Veremos qué aprenderemos de ésta.

El dibujo
Comenzamos por el dibujo. Dado que era especialmente el dibujo lo que amenazaba con presentar dificultades, pensaba hacerlo despacio y detallado en papel, para después ampliarlo y hacer un transfer, pero me dio cierta impaciencia, así que fui directo a por él sobre la tela, con carbonilla. Es increíble como ciertas tendencias de horizontalidad o verticalidad inherentes a nuestro sistema de equilibrio te hacen mover las cosas en direcciones incorrectas. En el segundo dibujo puede verse como la pantorrilla y el pié comienzan a desplazarse hacia arriba. En el tercero lo corregí (pero aún quedó demasiado horizontal, cuando entre el pie y la cabeza existe una diagonalidad más prononciada)

La distribución inicial de luces y sombras: saliendo del blanco de la tela
Terminado el dibujo, y sin preocuparme por fijar la carbonilla, comencé a hacer un wash con tierras, con la idea de dubrir el fondo y las sombras, de modo de poder ya ver una distribución incial y básica de los valores. Seguidamente, comencé a esbozar un modelado rápido por distintas partes del cuerpo, ya buscando medio tonos. Todo este trabajo inicial no es más que búsquedas preliminares. Una suerte de boceto.

Primer modelado
Una vez establecida una suerte de versión preliminar "acuarelosa" (aunque siendo siendo óleo, nada más que muy diluido), comencé a modelar zona por zona, pero buscando avanzar rápido, esto es, no pensando que debía atacar cada zona "a terminar". Empecé por las zonas más iluminadas, de modo que me sirvieran de referencia cuando quisiera empezar a "apagar" las demás zonas.

El maestro Ribera

2011-08-07T17:18:00.011-03:00

Hay saberes que no nos cansamos de redescubrir. Cosas que ya sabemos, que ya escuchamos, pero que cada tanto redescubrimos y encontramos en ellas un nuevo nivel de verdad, o un nuevo nivel de refinamiento, de potencia. Por ejemplo, una cosa entre tantas otras pero que es la que este post motiva, cuánto se aprende al copiar reflexivamente las obras de grandes maestros.

De composición, de cómo decidió mostrar algo, de anatomía, de paletas y colores, cómo enfrentó y resolvió problemas, cómo genero texturas, etc, etc, etc. El simple hecho de hacerles preguntas y tratar de aguzar el oído para escuchar sus respuestas, respuestas silenciosas pero que están ahí y son elocuentes en su mutismo de mera presencia.

Ribera es uno de esos maestros que cada tanto redescubro. Me fascina el poder de sus claroscuros, sus cuerpos llevados al límite, muy cerca de lo grotesco pero sin llegar a serlo, el modo en que trabaja la materia, etc, etc, etc. Terriblemente infuenciado por Caravaggio, pero con un sentido negro bastante más desarrollado, y al lado de éste último, las pinturas de Ribera tienen mucha más carga matérica.

Cuestión que hace poco revisando pinturas que podían servir para mis alumnos, reencontré una que me dió muchas ganas de trabajarla. Una que siempre me gustó y que ahora me pedía explorarla. Y así fue. Una gran grata experiencia.

Les dejo el proceso.

El comienzo:
Esta vez, decidí no dibujar. Comencé directamente sobre la tela, Teñí la tela con tierra sombra tostada, y fui levantando las luces con trapo, con pincel grande, pensando en masas de luz y tratando de establecerlas. Nunca habia dibujado directamente sin trazar líneas. Cuando dibujo con el pincel, dibujo tirando direcciones, es decir, igual que como dibujo con lápiz. Este fue distinto, directo a buscar los espacios de la luz. Interesante, la cabeza funciona de otro modo así.

Una vez establecida la síntesis de luces y sombras, empece a trabajar con pintura opaca por encima. Al principio fui despacio, buscando demasiado pronto el modelado (aunque por supuesto es una alternativa válida y con la que he trabajado). Después cambié de opinión y de pincel (por uno más grande) y empecé a trabajar con más materia y más en masas, dejando el modelado para después.

En el cuerpo lo dificil era generar esa piel curtida, texturada, torturada. Fue interesante la exploración para buscar que tipo de pincelada podía ayudarme a capturarla.

Etapa final.
Hubo varias cosas que decidí tempranamente que modificaría. Por ejemplo, la iamgen me sugería con mucha fuerza una figura emergiendo de las sombras. Para reforzarlo, decidí omitír la información en las sombras y remover la cruz. No tan intencionalmente, me encontré con que había rejuvenecido a San Andrés y lo había hecho una especie de Larralde honorable y un poco más saludable

Copia de "San Andrés", de José de Ribera.
Óleo sobre tela. 60x40 cm

Auoretrato # 4

2011-07-26T09:57:00.009-03:00

... y digo 4 por poner un número. No estoy seguro por cual número vamos.

Bien, al preámbulo. Después de la última pintura (que por cierto aún no está terminada), pasé por un momento de odio a lo que estaba produciendo, especialmente por cierta sensación de excesivas transiciones, excesiva continuidad entre pinceladas, y a la vez cierta apariencia "lineal". Ese odio que fue aplacándose, ya me amigué con la pintura, pero sin embargo eso motivó la idea de realizr una serie de experiencias diferentes.

¿La idea? Usar pinceles grandes, pensar más en masas, pensar más en pinceladas que en modelar, evitar perder la pincelada, evitar dibujar con el pincel, etc.

El primer experimento fue este retrato del natural.

Y he aquí el siguiente. Unas tres horas y monedas. Lo dificil fue, justamente, para mi que estoy tan acostumbrado a usar pinceles chicos, a que la pincelada se me vaya perdiendo entre la superposición de valores muy ajustados, muy proximos uno de otro, tratar de retener los grandes planos. Cada tanto los perdía, tenia que sacar pintura y volver a plantarlo. Y dentro de todo salió. Será cuestión de practicar más.

Retrato del natural (III°parte), seguido de algunas reflexiones críticas y por qué no, crísicas

2011-06-26T15:43:00.004-03:00

Aquí algunas nuevas imágenes de cómo va el retrato. Por varias razones que aún estoy desculando, este retrato me hizo entrar en "crisis pictórica" (tengo al menos una por año, así que tampoco es una cosa tan rara). A medida que avanzaba, mientras por un lado lo iba viendo cada vez "mejor", pensaba también: maldición, aunque está prácticamente en su totalidad realizado del natural (el resto, modelando conceptualmente en ausencia de la modelo o acudiendo a mis dibujos preliminares), comienza a tener una cualidad "fotográfica" que no había deseado. Algo de excesivos "pulimientos", algo de excesivas continuidades, algo que la hacía parecer esfumada cuando en realidad se trataba de pequeñas pinceladas, una al lado de la otra, como notas precisas que de tan próximas empezaban a sugerir esfumado. Algo también de poca materia. Algo también de pincelada ausente. Reflexiones para comenzar trabajos posteriores capaz de maneras distintas. Capaz utilizar pinceles más grandes. Capaz retener la pincelada evidente. Capaz sugerir los cambios de plano con mayor énfasis. En fin, veremos para dónde evoluciona esto. Por ultimo, una sugerencia de Michael Klein respecto al fondo (o siguiendo a Lula Mari, debería decir "ESPACIO"), me hizo probar otra cosa. Y comenzó a aparecer algo, a mis ojos, mucho más interesante. Lo que antes era fondo pasó a ser espacialidad, gracias al recorrido de la luz.

Life portraits project - Retratos del natural (II)

2011-06-10T08:40:00.006-03:00

He aquí los avances de la pintura. Comprobé con desagrado que el dibujo... estaba todo mal. Con lo cual no dejé de redibujar con la aplicación misma de pintura. Por lo tanto, la idea de aislar variables... funcionó hasta ahí. Cuestión que me planteo: o resuelvo mejor el dibujo en la primera instancia... o me mando directo a dibujar con el pincel... total!

Algunas reflexiones deshilvanadas sobre "el color piel":
Primero y principal, no hay UN color piel. La piel no es homogénea, y distintas zonas del cuerpo presentan distintos tintes y grados de saturación. Es importante entonces no pensar en encontrar EL COLOR, sino más bien, ir encontrando una relación que funcione. De modo que cuando encontramos un color que nos gusta, tenemos que resistir la tentación de esparcirlo por todos lados, lo que sin dudas logrará que deje de funcionar al instante.

En segunda instancia, tener presente que el rango de colores que la piel piel presenta es más limitado del que podría pensarse: ocres, naranjas y rojos, pero todos en baja saturación. Un color neutralizado, al lado de un -por ejemplo- rojo más saturado, puede parecer violáceo o azul, pero no lo es. Es importante notar que con MUY POCO, enseguida tenemos o bien una piel muerta o bien una piel quemada. En una distancia mínima, con nada ya notamos la diferencia. El ojo es muy sensible a esas diferencias en la piel. Paradójicamente, a la vez, el ojo es malo juzgando el tinte de los colores en baja saturación (hasta que es demasiado tarde) y la piel es justamente uno de ellos.

Por último, lo que noté que estuvo funcionando en este caso es "quebrar" las zonas demasiado homogéneas de color con pequeñas pinceladas de colores más neutros al lado de colores más saturados, o directamente otros tintes (pero siempre en mismo valor).

Life portraits project - Retratos del natural

2011-05-31T13:59:00.011-03:00

Hace tiempo ya que tenía ganas de volver a trabajar del natural. No sólo desde el dibujo, sino también con la pintura. Son experiencias muy distintas la de trabajar solo, ya sea de la imaginación o a partir de una fotografía, que la de trabajar del natural. Cuando trabajás con alguien, en primer lugar, es justamente CON alguien. Es en principio un intento de encuentro, algo que puede o no producirse, pero que requerirá una suerte de colaboración. De esta colaboración surgirá algo que excede lo que pueda preverse. Pintar del natural es una experiencia. Hay más para ver, más para elegir. Hay vitalidad. Hay movimiento. En fin, que está buenísimo hombre.

Por ello, se me ocurrió lanzar una convocatoria a amigos y conocidos, no modelos profesionales por una cuestión (aún) económica, que tengan ganas de posar un rato pero sin necesidad de inmovilidad absouta, sino más bien mientras tomamos unos mates y charlamos. A cambio de su gentil gesto podrán llevarse los dibujos preparatorios. La pose irá apareciendo, algo se irá asentando, algo iré eligiendo, algo se irá imponiendo, y comenzará a aparecer una pintura.

La primer persona en responder al desesperado llamado ha sido Miss Tennison. El primer encuentro habrá sido de... hora y media, poco más. En ese encuentro la idea fue resolver el dibujo. Ya sin ella presente, me dediqué a depurarlo, realizar algunos ajustes a la pose, y transferirlo sobre la tela.

El dibujo del natural.

Detalle del dibujo del natural, y una posterior esquematización que hice sobre una fotocopia clarita del dibujo para empezar a planificar el transfer.

Cuando casi tenía todo listo para pasar a la tela noté que la posición estaba un poco rígida, que no parecía que estaba apoyando su cabeza sobre la mano. Hice una serie de bocetos tratando de encontrar algo que pareciera más natural, y encontré uno que funcionaba. Lo dificil fue después hacer coincidir la pose del boceto suelto con lo rígido de la información que necesitaba para el transfer. Luego, hice el transfer con carbonilla. Pueden verse unas líneas rojas sobre el dibujo de la derecha: es la birome que usé para presionar del otro lado e ir viendo qué zonas ya había marcado.

Una vez realizado el transfer, y para no perder la línea, "entinté" todas los trazos en carbonilla con un pincel fino y óleo tierra sombra natural. Cuando completé este proceso de "fijado", puse un tono genérico para las sombras, casi como si pintara con acuarela, de modo de tener ya preparado el esquema general para la siguiente sesión con la modelo, donde comenzaremos a aplicar color.

De bocetos y copias

2011-05-01T18:43:00.005-03:00

Lo interesante de las copias (siempre que sean reflexivas) es que uno va descubriendo lógicas insospechadas o formas de resolver problemas interesantes que el autor aplicó.

Por ejemplo, en este trabajome resultó interesante observar -en la pintura original- la sistematicidad lógica con que Sívori trabaja las sombras: en la sombra propia, cada segmento de sombra dura se sigue de uno blando. Las sombras proyectadas comienzan claramente rígidas y se pierden, las propias son siempre más blandas, mete aire en las sombras, etc etc etc

Copia de Sívori. Carbonilla sobre papel (la cual, confieso, no manejo ni a palos).

Realizada en alrededor de hora y media.

Adicionalmente estuve realizando unos cuantos trabajas con figura humana. Torsiones, anatomía, movimiento. Así que en la búsqueda de ejercitar esos aspectos terminé haciendo algunas copias rápidas de Proudhon. He aquí una de ellas, realizada en aprox 35 minutos.

Lápiz sobre papel

Un cast en proceso

2011-05-01T13:25:00.008-03:00

Trabajar con lo básico, con las herramientas esenciales -materiales y conceptuales- del dibujo sigue siendo para mi una fuente inagotable de nuevos descubrimientos y redescubrimientos. Ese volver sobre las bases siempre te refuerza. Es una suerte de "Ah! ahora lo entendí!" o "ahora lo entiendo mejor" permanente.

Es por eso que aquí vuelvo con un cast. Ponerlo como modelo metodológico sería del todo inadecuado, porque de hecho hice muchas cosas "de impaciente" que suelo cuidar en las indicaciones a mis alumnos. No fijé bien un punto estacionario (es decir, DESDE DONDE estaba mirando la estatuila) no resolví completamente la figura en su aspecto bidimensional, el encaje evolucionó a los saltos, no terminé de aplanar las sombras antes de empezar a modelar en la luz, etc, etc. Sin embargo, creo que puede dar una idea de un método de trabajo que a mi juicio no solo da buenos resultados sino que te mete de lleno en la comprensión tridimensional de la forma.

Pintura abril (version final)

2011-04-23T23:59:00.007-03:00

Concluída. O eso pienso, por ahora.

Será parte de un tríptico (más detalles, próximamente)

Óleo sobre tela. 80x50 cm

De cuerpos y emergencias (pintura de abril)

2011-04-16T19:54:00.011-03:00

Hace ya un tiempo que quería pintar un cuerpo. Confieso que no me importaba mucho buscarle sentidos profundos u oscuros, otorgarle justificaciones contextuales o incluso cómo lo realizaría, pero quería, después de mi sobre adundancia de caídas y recaídas en los rostros, trabajar con un cuerpo. Con un cuerpo dinámico, en lo posible, que evitara por una vez lo estático.
Y he aquí el intento.

Comencé con una serie de bocetos buscando la posición y el movimiento. Cuando me decidí por uno de ellos, lo dejé de lado y empecé, ya sobre la tela, a dibujar directamente con el pincel. El que hubiera estado dibujando antes, encontrando problemas y resolviéndolos, hizo que cuando comencé a buscar el dibujo con la pintura y el pincel, en movimientos amplios, éste apareciera muy rápidamente.

Hacía tiempo que no comenzaba el dibujo de una pintura directamente con el pincel. Después del entrenamiento en Grand Central había estado priorizando resolver dibujo antes de pasar a la tela; después hacía el trasnfer y recién ahí comenzaba a pintar. Pero esta vez quería algo un poco más suelto. Y buscaba cierta gestualidad y cierto trabajo de "masa" que la pintura facilita.

Mi idea inicial era hacer un prepintado bien diluido (tierra sombra y trementina), un trabajo exploratorio al que después, en una segunda instancia, trabajaría encima modelando con una segunda mano más matérica y opaca. Pero a medida que el cuerpo iba emergiendo de las sombras me entusiasmé con la etapa inicial. Y me gusta cómo está quedando. De modo que veremos qué depara el futuro. Por el momento, creo, evolucionará desde aquí, en fase transparentosa.

Dibujos exploratorios (birome los tres primeros, lápiz el último)

Pintura (óleo -tierra sombranatural- sobre tela)

Grafiteando en el nuevo taller

2011-04-06T00:57:00.008-03:00

Mudé el taller. Nuevo lugar, más amplio, mucha luz y con los beneficios de un espacio dedicado con exclusividad. Cada vez que entro vuelvo a ponerme contento. Pueden echar unvistazo acá.

Cuestión que en este tiempo (lo mudé hace unas dos semanas) no había encontrado el momento para ponerme a hacer algo. Había dedicado mi energía a ponerlo a punto y a las clases.

El sábado pasado y el día de hoy, sin embargo, pude dedicar un par de horitas a bocetar algo. Helo aquí. Valga el mérito de ser lo primero que hago en este nuevo, mi nuevo, lugar.

ps: cada tanto descubro nuevas obsesiones anatómicas. En este momento, además de los habituales nariz y pómulo, ha ingresado ese ligero cambio de plano en la parte lateral de la órbita de los ojos, justo sobre el zigomático. Qué cosa che. Está genial ese pedacito para modelar...

Autoretrato (wip 3)

2011-03-22T13:55:00.003-03:00

Varias fotos, al día de hoy. Una demasiado oscura, otra demasiado clara... en fin, pa que se den una idea nomás.

Autoretrato (wip 2)

2011-03-21T15:35:00.001-03:00

Autoretrato (wip)

2011-03-18T19:25:00.006-03:00

Empezamos un nuevo autoretrato (sí, empezamos: mi nombre es legión)
Un espejo adelante, una posición que pueda sostener en el tiempo (cara de nada), y comenzamos con la exploración el lápiz sobre papel. Cuando el dibujo estuvo medianamente satisfactorio, lo escaneé, lo imprimí un poco más grande, le puse carbonilla sobre la parte de atrás, y lo transferí a una carton entelado de pésima calidad que recuérdenme no volver a utilizar jamás.

Una vez realizado el transfer, comenzamos a pintar en una versión diluida, para establecer una idea aproximada de los valores y de los colores.

En la imagen anterior, en la nariz, comenzó la segunda mano. Un poco más empastada, vendría ser una suerte de "ahora vamos en serio", prestando cuidadosa atención a la forma precisa que quiero describir, y al modelado en su triple sentido (valor, tinte y saturación). En la imagen inferior, esa segunda mano, bastante más avanzada.

Policromos + Acuarela

2011-03-11T19:17:00.001-03:00

Lápiz

2011-03-11T19:14:00.002-03:00

2011-02-22T12:06:00.001-03:00

Lápiz negro acuarelable, lápiz de grafito y acuarela.

Birome y acuarela

2011-02-17T16:48:00.002-03:00

Uno

Y dos

Imaginar y experimentar

2011-02-17T14:23:00.008-03:00

Capaz, cada tanto, esté bueno probar otra cosa.
Alguna lateralización. Algún medio distino. Y por qué no, algún ejercicio de la imaginación. Algo que nos lleve a terrenos menos explorados o simplemente que nos permita saltear las referencias externas, sortear planificaciones y enfrentar el momento con las armas de la ocasión.

Por eso, y nada más que por eso, y también más simplemente porque tenía ganas de pintar, he aquí un pintura completamente de la imaginación, sin referencias, cosa que hace tiempo no hacía. Comenzó con un pequeño, pequeñísimo boceto, al que no le di tiempo de desarrollarse y volví inmediatamente pintura sobre tela.

Veo reaparecer al viejo hombrecito calvo y azul en una nueva pintura, capaz un fantasma del pasado, pero es la mujer, suelta, despreocupada y cómoda, lo que más me gusta. Y capaz algo de la atmosfera. En fin, hela aquí, con pincelada abierta y rápida.

Posibles nombres: "Yo estoy del derecho, dado vueltas estás vos", o "Fumando espero"

Close ups

2010-12-06T17:54:00.002-03:00

Adjunto dos close ups del cuadro anterior. Siempre me pareció interesante que pueda verse la técnica, la pincelada, los errores y cambios de opinión, y con estas fotos puede apreciarse mucho mejor. El color, adicionalmente, es mucho más fiel que en las anteriores imágenes.

B-versions

2010-12-02T15:43:00.006-03:00

Historia larga, pero para hacerla corta, diversos motivos me llevaron a re-hacer un cuadro del 2008. Fue interesante comprobar cómo y cuanto había cambiado mi forma de pintar. Una vez que empecé, incluso planeando sólo hacer unos ajustes puntuales, ya no pude parar. No había segmento que pudiera pintarlo del mismo modo que lo había hecho antes: tenía que continuar y continuar... hasta que estuvo repintado por completo. Más allá de diferencias estéticas (colores saturados vs desaturados, atmósferas, tratamiento de los fondos, etc), más allá de ver que la versión vieja, aunque en óleo, tenía reminisencias de mi modo de trabajar el acrílico, me siento hoy mucho más conciente de la forma, de la luz, de "bordes filosos" que usaba a modo de cambio de plano y hoy prefiero suavizar ... en fin, interesante ejercicio auto-antropológico.

Muestra en Seguí Nicasio

2010-11-16T00:52:00.001-03:00

¡Todos invitados!

El estampado te lo debo

2010-10-21T15:43:00.004-03:00

Finitto. Un poco porque me gusta el aire bocetoso, un poco porque mis intentos estamperiles fracasaron, he decidio concluirlo y pasar a otra cosa. He aquí las fotos finales.

De formas que avanzan y formas que retroceden

2010-10-12T16:30:00.005-03:00

Vamos a aprovechar este espacio de "avances pintureriles" para explicar un poco qué estoy haciendo, o al menos, tratando de hacer en esta pintura.

Las últimas sesiones (muy breves, estoy medio disperso) trabajé en ajustar la nariz (que le hacía falta un poco más de croma), en la mandíbula (a la que le tenía que quitar un poco de croma), y en el pómulo (el brillo). Adicionalmente, comencé a modelar la mano y el cuello con un poco más de cuidado.

¿Qué es lo que estuve buscando? Describir correctamente la forma. En líneas generales, si una forma retrocede en el espacio, tanto valor como saturación deberían bajar (exceptuando zonas de transparencias o luces rebotadas): si queda muy saturada, va a generar la sensación contraria (esto es, va a parecer que avanza en el espacio). La mandíbula era una zona que había quedado de ese modo y era necesario corregir.

En el pómulo, busqué distinguir el plano que enfrenta más directamente a la luz del brillo. En la nariz, la búsqueda era similar: tenía que agregar saturación a los planos adyacentes al brillo, para sugerir esa pigmentación ligeramente más rojiza que suele tener la nariz.

Entre las últimas dos imagenes, lo que busqué es suavizar los bordes del cabello, romper la rigidez, trabajar la oreja y el ceño. Los colores de la foto, sin embargo, son más precisos en la foto anterior.

Esto para que vean qué tipo de delirios racionales estoy pensando cuando pinto.

Para alternar, un dibujo del Davido. Empezó como un ejemplo de construcción de figura en una clase, luego de lo cual me entusiasmé y decidí continuarlo. Tomen nota: vean qué sucede cuando uno no estima bien el espacio que va a utilizar. Ehem.

Perchance to dream

2010-10-06T12:06:00.005-03:00

Y henos aquí (a mí y todos mis yoes) comenzando una nueva pintura. La necesidad casi urgente de comenzar ALGO hizo que, una vez más, ni la idea ni la planificación fueran todo lo desarrolladas que hubiera preferido. Sin embargo, sin embargo, sí me di el gusto de comenzar el trabajo con el dibujo medianamente acabado. Una vez realizado, transfer con carbonilla y manos a la obra.

Será una obviedad, pero tener el dibujo resuelto antes de comenzar a pintar ayuda MUCHO a no estar engrosando la capa de pintura por simples necesidades correctivas. Y eso hace que sea posible jugar con distintas cualidades de la pintura (opacidades y transparencias, por ejemplo) que de otra forma se complicaría.

El fondo verde inicial se corresponde simplemente con que la tela que tenía a mano tenía esa base preparada. Hubiera preferido que no estuviera, pero ahí está y viviré con ello.

Perchance to dream, óleo sobre tela
50x80 cm

Tonificación grafitera

2010-10-01T02:57:00.003-03:00

Mientras sigo pensando qué pintar, mantengo los lapices afilados con bocetos y ejercicios. Aquí, dos de los últimos días. Una copia de Bargue (que nunca viene mal para mantener tonificados los músculos dibujeriles) y un boceto de mi amiga Nadia, a pleno canto.

Cast painting project 2

2010-09-26T19:37:00.004-03:00

Finalmente, después de algunas dudas en torno a dejar o no las sombras transparentes, la balanza se inclinó por repasarlas con pintura opaca. A ello se le suman ajustes finales de bordes y transiciones. El color es más adecuado en la última imagen.

Life drawing 3

2010-09-25T18:40:00.002-03:00

Cast painting project

2010-09-21T18:22:00.005-03:00

Como corresponde a un joven aplicado, luego de terminar con el dibujo, heme aquí arremetiendo nuevamente con el amigo cast, esa vez para realizar una pintura monocromo (y otra vez, utilizando la técnica de trabajo aprendida en GCA)

Cast finitto

2010-09-21T04:00:00.001-03:00

Finitto!
(ahora si eh, ya no lo toco más... capaz)

Cast drawing
HB+2H afiladísimos+Goma miga de pan+Goma dura+bastante paciencia+conceptualización de los planos

Y más lápices

2010-09-18T16:22:00.003-03:00

Life drawings 2

2010-09-12T15:37:00.005-03:00

Algunos trabajos más del natural.

Las dos figuras corresponden a la misma sesión de modelo vivo. La primera, una pose de aproximadamente diez minutos, la segunda, más completa, una pose de aprox. 40 minutos.

Por último, un avance del cast que vengo haciendo por mi cuenta siguiendo la metodología aprendida en GCA bajo la tutela de Josh LaRock, para fijar algunas cosas. Parece que lo recuerdo bastante bien! Sólo HB afilado, goma miga de pan, goma dura y paciencia.

Life drawings

2010-09-05T05:01:00.004-03:00

Algunos dibujos del natural. Exceptuando el cast, entre 10 y 35 minutos.

d

GCA: a modo de conclusión

2010-09-03T21:29:00.003-03:00

Y heme aquí, retornado.
Procesando experiencias, re-escribiendo notas, re lanzando el taller, ejercitando técnicas, dibujando y pintando de nuevo, ahora en el hogar.

La experiencia de trabajar en GCA fue realmente mucho más de lo que esperaba.
Cada workshop aportó ingentes cantidades de información, teórica, práctica y experiencial.

Josh LaRock, Camie Davies y Scott Waddell no son sólo grandes artistas, sino tambien extraordinarios profesores. Y lo bueno también fue que, a pesar de que los tres comparten un mismo marco teórico, cad uno de ellos introduce su propio matiz, su propio sesgo o versión, su propia variacion o ajuste en la técnica que hizo la experiencia aún mas enriquecedora.

Para que negarlo, estoy henchido de orgullosa modestia por haber tenido la humildad necesaria para comenzar con el workshop de dibujo: tenía mis dudas, es allí donde más fuerte me siento. Pero sin embargo, aprendí tanto! Sobre todo, pulí algunas nociones y encarné algunas ideas que, si bien ya conocía, no estaban siendo práxis aún. Y más aún, fue la puerta de entrada para que lo que vino después, tuviera mucho más sentido.

En futuros post iré comentando cuestiones técnicas.
Por el momento, les dejo tres imagenes, de mis tres trabajos.

De arriba a abajo:
1. Dibujo a lapiz (2h y hb, sin esfumar) de calco en yeso de la nariz de David
2. Retrato (óleo sobre lino; monocromo, tierra sombra y blanco) 40x60 cm
3. Figura (óleo sobre lino; color) 28x25 cm

Figure Painting workshop IV

2010-08-10T21:47:00.004-03:00

Comenzo la pasada final!
Despues de explorar la forma, del viaje de reconocimiento que implica el ebauche, comenzo la pasada final. Ahora, se trata de una pasada mas opaca, que busca precision en el color y en el modelado.

Ah, y para que se den una idea, el rostro no tiene mas de 4 cm de alto.

GCA: Figure painting workshop III

2010-08-06T23:00:00.005-03:00

The first week has ended, and all I can say is it was absolutely outstanding. Scott not only is a terrific painter (actually, one of the painters I admire the most), but also a wonderful teacher. His energy, generosity and passion to share and explain are truly admirable. From drawing to painting, from anatomy to mechanic of light on form, ways of working, color palette, detecting problems and suggesting solutions... well, I'm really impressed and really, really happy to be here.

--------------

Aqui les dejo el trabajo del dia. Comenzo la primera etapa de la pintura. Despues de realizado el transfer, entonado la tela y levantado las luces, largamos con el ebauche.

El ebauche es simplemente un tipo de pre-pintado o underpainting; una pintura preliminar que, dependiendo del uso, modalidad y version que se escoja, puede servir tanto como una version exploratoria para recabar informacion y probar cosas antes de la pasada final, como para jugar con tensiones, vibraciones entre esta y la capa que agregemos despues.

La idea es mantener la pintura semi-transparente y en una clave mas clara de lo que pretendemos. Siempre hay tiempo para oscurecer, y en oleo, dada su transparencia, siempre resulta mas facil esto ultimo que lo contrario.

Ah, un dato! La pintura es bastante chica. La zona que ven en la foto tendra 30x20 cm

GCA: Figure painting workshop II

2010-08-05T19:03:00.003-03:00

Y el dibujo continua!
Y con el, tambien importantes lecciones.

En GCA se acostumbra dividir el dibujo en una serie de fases progresivas. Se comienza de un modo optico, bidimensional, en donde se trata de capturar las grandes direcciones, los puntos de inflexion, las figuras abstractas que se conforman (tanto negativas como positivas), y se va avanzando progresivamente en subidivisiones cada vez menores, siempre midiendo, buscando puntos alineados verticales y horizontales, etc. En esta instancia, se trata de no pensar QUE se esta dibujando. Esto ayuda a setear parametros de referencia concretos para la siguiente instancia: La conceptual.

En la etapa tridimensional o conceptual, se empieza a pensar que implica cada linea en terminos espaciales y estructurales: se tratar de comenzar a visualizarlo y entenderlo no mas como una direccion, sino como un plano o figura geometrica en el espacio. Asi, cada linea se transforma en una convexidad (el cuerpo es siempre pleno, nunca concavo), se empiezan a buscar y construir referencias anatomico estructurales, etc, etc. Por que esto se hace ahora y no la instancia anterior? Porque si se empieza conceptual, se termina con algo muy generico, muy simbolico.

En mi caso, se ve que me la ansiedad me gana y me zambullo muy rapido en la segunda instancia (en la que parece, ademas, soy bueno). Asi que hold a moment please, a trabajar un poco mas en la primera.

Les dejo la ultima etapa del dibujo, el transfer (esta vez, con carbonilla) y el wipout, que viene a ser algo asi como un manchado preliminar para salir del blanco de la tela, y vagamente señalar luces y sombras.

GCA: Figure painting workshop

2010-08-03T19:35:00.008-03:00

And finally, the most awaited workshop began. The instructor, Scott Waddell, is one of my favorite painters and one of the guys that knows more about anatomy, light and perspective. Really impressive. With SO MUCH expectation, the fear to deception was around, but so far, JUST two days working, I can say this workshop it's BEING really really great! Scott is a terrific teacher and his demo, comments and corrections are really insightful.

This workshop will have three stages: drawing (and transfer), Ebauche and Final Painting
The drawing stage I think is working... but who knows what the future prepare for us in the painting stage! :)

---------

Finalmente, el workshop que mas esperaba y que mas ganas tenia de hacer, ha comenzado. El instructor es uno de los pintores del momento que mas admiro (Scott Waddell), una de las personas que mas sabe y mas incluye de anatomia, funcionamiento de la luz y perspectiva en sus trabajos. Con toda esta expectativa, y habiendo sido tan buenos los workshops anteriores, el temor a la desilusion merodeaba frenetico.

Solo vamos dos dias de trabajo, pero ya puedo decir que esta siendo genial. Mucha data, mucha informacion, anatomia, perspectiva, construccion, etc, etc, etc. Scott sabe mucho, y lo usa para explicar lo que esa haciendo y para corregir.

El workshop tendra tres fases: dibujo (y transfer), ebauche y pasada final. Los objetivos del dibujo son tener informacion suficiente para hacer el transfer y tener de donde agarrarse en el modelado de la forma.

Por el momento, el dibujo viene bien. Trabajar de modelo vivo realmente es lo mejor del mundo. Quien sabra que pasara cuando empecemos a pintar!

GCA: portrait painting workshop

2010-07-31T12:20:00.005-03:00

El viernes pasado termino el segundo workshop en GCA, cuyo eje fue el retrato del natural. Estuvo a cargo de Camie Davis, una persona que combina una enorme talento y conocimiento de pintura con excelentes cualidades como docente. La cantidad de informacion, de tecnicas, sugerencias y posibilidades que se abordaron en estas dos semanas son suficientes para tenerme ocupado procesando y trabajando por un año y medio.

Fiel a mi plan, luego de haber trabajo dibujo en el workshop anterior, en este decidi encarar la pintura en monocromo.

Partimos de un dibujo del natural, que luego seria transferido a la tela. Antes de comenzar con la pintura propiamente dicha, hicimos un "poster study", que es una version pequeña y simplificada para empezar a organizar la estructura de valor, y al que se acudira despues como referencia para ver si uno esta orientado. Es una suerte de mapa, por asi decirlo.

La primera mano de pintura consistio en un ebauche, una bien diluida version del modelado, cuidando de mantener la pintura transparente pero a la vez modelando, y finalmente la pasada opaca: por supuesto, siempre con la modelo presente. Unas cincuenta horas estimo!

Aqui van unas fotos del proceso.

GCA: cast drawing workshop

2010-07-31T00:40:00.003-03:00

Cuando se lleva cierto tiempo dibujando, pintando, incluso enseñando, puede cometerse la tonteria de creer que hay ciertas cosas que uno ya no necesita ver, que ya conoce lo suficiente, que esta entrenado y que seria perder el tiempo volver sobre los fundamentos. Seria un triste, triste error.

Lo bueno de enseñar, a la vez, es que siempre te lleva a cuestionar tus supuestos, a repasar lo que sabes, lo que crees saber, a darle vueltas, a buscar nuevas luces. Y fue asi que decidi que el primer workshop que tomaria en GCA seria el de CAST DRAWING. Cast drawing es parte del ABC de empezar a dibujar. No es exactamente el primer paso (que en los atelier suele ser copias de Bargue, o sea, entrenar la mirada en dos dimensiones), sino el segundo y tercero paso: enfrentarse con la tridimensionalidad, y aprender a modelar.

En este segundo punto, modelar, GCA tiene una filosofia por completo diferente a la de la mayoria de los ateliers del mundo. Y eso es lo que venia a buscar. Algo que ya venia trabajando y leyendo pero queria vivirlo de primera mano. Y la diferencia fue notoria.

El workshop estuvo a cargo de Joshua Larock, una joven luminaria salida de Water Street Atelier (bajo la tutela de Jacob Collins) con un talento realmente envidiable. Durante dos intensas semanas, ocho horas por dia, se trabajo en teoria de la luz sobre los objetos, teoria de la compresion del valor, formas conceptuales de aprehender lo que se observa, formas escultoricas por sobre opticas, tecnicas de renderizado, estrategias para explotar el rango de valores, etc, etc, etc.

Tengo como 20 hojas de notas, y un dibujo, sencillo, pero que me metio de lleno en el modo de pensar el modelado de GCA.

Valio la pena? Mucho mas que eso!

Cast Hall

Worthy opponent...

Block in and refining contour

Flattening shadows...

Start to modeling into the lights

And the final nose...

Thank you Josh, terrific workshop!

Grand Central Academy

2010-06-29T16:13:00.001-03:00

Desde el 2 de julio hasta el 15 de agosto, estaré en Manhattan realizando una serie de workshops intensivos de dibujo y pintura allí donde siempre soñé ir: Grand Central Academy of Arts, atelier bajo la égida de uno de los más renombrados pintores realistas contemporáneos: Jacob Collins. Joshua LaRock, Camie Davies y Scott Waddell serán los profesores con los que tendré el placer de estudiar.

A mi vuelta, se abre un panorama distinto y renovado en mi vida: ya no estaré trabajando en una oficina, y podré dedicar toda mi energía a lo que verdaderamente me apasiona: la pintura, el dibujo, la ilustración y las clases.

Son buenas noticias :)

Skin tones

2010-06-18T15:30:00.001-03:00

"The problem is that our eyes are not good at seeing the local of low chroma colors, specifically. That is, they cannot, with assurance, in general, distinguish a neutralized orange (which they will read as too yellow) a neutralized yellow (which they will see too green) or a neutralized orange-red (which they will think is a purple) As a result, many painters overcompensate adding too much yellow, too much green or purple, and justify it in the name of impressionism, even though its a lack of understanding. ("I am, after all, a modern painter," is a common retort) Or, when found, they paint with a generic flesh tone. Not understanding the locals is why flesh painting is so difficult."

Graydon Parrish

Bouguereau - finalizado

2010-06-13T02:59:00.009-03:00

Creo que comenzó alrededor de noviembre. Noviembre y diciembre avanzó a gran velocidad. Enero vió llegar un lento abandono. Desde feberero casi no fue tocado. Pero le faltaba muy poco, era una pena dejarlo así. De modo que aquí les presento la copia de "Faneuse", de William Bouguereau, finalizada.

La versión final (por ahora)

2010-06-10T15:06:00.002-03:00

Y continuraron las revisiones y ajustes. Después de los ojos, que finalmente cerraron, seguí hacia abajo... de cuentas que terminé rehaciendo por completo la nariz, la boca, la pera, la mandíbula, en fin, toda la cara. Esto de pintar es más dificil de lo que parece.

Adicionalmente, volví a ajustar la mandíbula.
El cuello esta un poco amarranado, pero por el momento, creo que vamos a darlo por terminado.

Es interesante notar como ahora, comparando con versiones anteriores, comprendo cuaánto le faltaba. Mientras estaba (pongámosle) a la altura del post anterior, lo veía próximo, como que el rostro estaba relativamente cerrado. Si lo comparan... estaba monstruoso!

Óleo sobre tela. 90x60 cm

Retrato

2010-05-25T01:07:00.003-03:00

Esto de pintar del natural me está gustando MUCHO. Aquí, un retrato de Jorge, con quien mientras lo pintaba, charlábamos, tomábamos café y comíamos brownie. Un buen momento y una grata experiencia.
Gracias por posar!

Óleo sobre cartón entelado.
Una sesión de dos horas aprox., más unos retoques ya sin el modelo presente.

Un poco más...

2010-05-22T20:46:00.005-03:00

... de impaciente nomás.

La interrogación de las apariencias

2010-05-17T12:35:00.004-03:00

Si pensamos a las apariencias como una frontera, se podría decir que los pintores buscan mensajes que cruzan la frontera: mensajes que provienen desde la parte posterior de lo visible. Y esto no porque todos los pintores sean platónicos, sino porque miran muy arduamente.

La hechura de imágenes comienza con la interrogación de las apariencias y haciendo marcas. Todo artista descubre que dibujar –cuando es una actividad apremiante– es un proceso de dos direcciones. Dibujar no es sólo medir y bosquejar; es también recibir. Cuando la intensidad del mirar alcanza cierto umbral, nos volvemos concientes de una energía intensa equivalente que viene hacia nosotros a través de la apariencia de aquello que estamos escudriñando, sea lo que ello fuere.

El encuentro de estas dos energías, su diálogo, no adquiere la forma de la pregunta y la respuesta. Se trata de un diálogo feroz e inarticulado. Mantenerlo requiere fé. Es como horadar en la oscuridad, una perforación bajo lo aparente.

"Un secreto profesional", John Berger (traducción de Christian Ferrer)

Autorretrato: un detalle

2010-05-10T11:29:00.002-03:00

Como en las fotos anteriores no se percibía la pincelada (y era un rasgo distintivo de este rápido autorretrato), subo aquí un detalle en que pueden apreciarse. La foto no refleja del todo bien los colores del original, pero pueden distinguirse los pequeños planos de pinceladas. También, pueden verse algunas zonas medio grises, producto de la mezlca entre el óleo y la carbonilla, e incluso si miran en detalle, algunas zonas medio blancas o transparentes, producto de trabajar con el fondo blanco y la pintura bastante diluida.

El fragmento en cuestion debe tener unos 25x12 cm

Autorretrato

2010-05-09T03:04:00.004-03:00

Entre estudios de anatomía y una pintura un poco más ambiciosa, quise hacer una nueva prueba de autorretrato. La idea: que sea del natural (esto es, mirándome al espejo) y que lo terminara en una sesión.
El proceso: empecé con un rápido boceto en carbonilla y pinté encima, con la pintura diluída al principio, y más empastada al final. En total, unas 4 hs de trabajo. Puedo decir: objetivo cumplido.

Autorretrato Alla Prima.
Óleo sobre cartón entelado. 30x24 cm

Anatomizado

2010-05-06T12:26:00.002-03:00

De las muchas veces que comencé algo así como un vago estudio de anatomía (ya sea por mi pasado -oh lejano pasado- en los comics, ya sea por alguna cuestión que lo requiriera), siempre me quedé en un plano relativamente superficial. Contaba con algunas formas simplificadas que me bastaban, y sentía que era suficiente. Creo que algo en mi, aún sabiendo que era de suma utilidad, le rehuía. Creo que la culpa la tiene Santillana y sus manuales, y la educación secundaria de la anatomía, que a través de sus pésimos gráficos te alejan de cualquier comprensión real de las formas.

Bien, años más tarde, frente a la necesidad de poder explicar mejor algunas cosas y redescubriendo esto de que COMPRENDER QUÉ ES lo que está ahí ayuda a dibujarlo mejor, empecé a dedicarle horas de trabajo a la anatomía. ¿Y saben qué? Me parece absolutamente fascinante. Fascinante comprender los planos, los volumenes, cómo las estructuras impactan en la superficie, encontrar las pistas en la piel que nos hablan de "lo profundo", etc, etc, etc.

Aquí, un poco de este research (que recién empieza).
La secuencia, el proceso que estoy desarrollando implica empezar con dibujos detallados, despues pasar a versiones esquematicas, y después recrearlo de memoria.

Y aún más lápices

2010-04-17T18:21:00.004-03:00

Cast del ojo izquierdo de David. 18x15 cm.
Lo había abandonado en diciembre del año pasado, creyendo que ya no podía sacarle más jugo; sin embargo la distancia ayuda a renovar la mirada, así que lo abordé nuevamente y le di un par de pasadas más en las sombras, para ampliar el rango. No estoy satisfecho aún con el modelado hacia la luz, veo la sombra un poco "dibujada", pero fue un buen entrenamiento.

Compresión de la luz

2010-04-11T17:28:00.004-03:00

Quisiera usar la evolución de este dibujo (boceto que devino casi sin querer en un dibujo más acabado) para mostrar lo que implica, la diferencia que hace el explotar el rango completo de los mediotonos y, por ésta via, comprimir las luces.

En el primer dibujo, puede verse cómo en la mejilla, la sombra termina abruptamente. La cantidad de luz, el blanco del papel, se ve justamente como blanco del papel, no como luz. Ahora bien, prestando atención al segundo dibujo, especialmente en la zona del pómulo derecho, puede verse cómo la expansión de los mediotonos (desde los mt oscuros a los mt claros) "aprieta" la luz del pómulo, proporcionando un efecto volumétrico más pleno. La foto apenas logra dar cuenta de la diferencia; para poder apreciarlo, sugiero ampliar las imágenes.

Trabajo en lápices de grafito (4H, 2H, H, HB y 2B).
25x20cm. Se utilizó, para generar un efecto lo más uniforme posible, sólo la punta del lapiz bien afilado. No se realizó ningún tipo de esfumado.

Bocetos varios

2010-04-09T10:50:00.003-03:00

Mientras una pintura avanza lentamente en el horizonte (encontrandose aún en condiciones poco aptas para su exhibición), aquí presento unos bocetos, en lápiz, tinta china y birome, de rostros y figuras humanas. Algo como una pequeña gimnasia para mantener los músculos dibujeriles a tono.

Mámushka

2010-03-30T11:24:00.003-03:00

Venía zafando de lo edípico. Hasta ayer, creo que nunca hice ninguna pintura ni dibujo con mi mamá. Pero bueno, encontré unas fotos hermosas en blanco y negro que me resultaron irresistibles para usar de referencia. Luz que entra por un lateral, sombra bien definida, etc. Planeo hacer un par de dibujos y quizá alguna derive en pintura.

Aquí, un boceto relativamente rápido (algo menos de dos horas) realizado con lápices de grafito
(4H, H y HB). El dibujo debe tener en total unos 15 cm, con lo que la parte de detalle está concentrada en alrededor de 4 cm.

Noto que me gusta, en general, jugar con un equilibrio imposible entre el uso de la línea pura y la mancha. Trabajar detalladamente una zona y dejar insinuada otra. Algo de eso intenté aquí.

Nos ponemos técnicos: dos aproximaciones al claro-oscuro

2010-03-03T15:29:00.003-03:00

Aquí les dejo una nota teórica para mis alumnos.
No es la verdad, no es la última palabra, sólo unas ideas de trabajo.

Post Natividades y Pre fin de año

2009-12-28T11:50:00.004-03:00

La natividad de nuestro señor me tuvo con algo de fiebre, quizá por ex ateo devenido agnóstico, con lo cual la posibilidad de avanzar con la pintura fue menor de la que hubiera esperado. De todos modos, tuve oportunidad de arruinar y arreglar la cara en tres ocasiones, ya no distingo si está mejor o peor, y avanzar un poco con la blusa, el gorro y el fondo.

La verdad que pintaba bien este tipo Bouguereau eh.
Cómo lograba darle esa cualidad traslúcida a las pieles, la ilusión de los vasos sanguíneos irrigando por debajo de la piel... que maldito, cómo lo odio!

Bouguerona, 8va sesión

2009-12-18T01:46:00.006-03:00

Un poco más. Algo así como seis horas más. Las manos tomaron dos sesiones cada una, la cara tres. Es un avance lento, y salvo algunos asuntos con la laca carminada (excesos, ah, los excesos) creo que va bien. Ustedes dirán.

Copia de "Faneuse", de William Bouguereau
Óleo sobre tela, 50x70 cm

On the easel

2009-12-15T09:06:00.005-03:00

(literalmente on the easel eh;
esto es, cuadro ahí colgado mirándome desde el atril)

Empecemos por las dificultades:

1. La cara tiene un alto de cuatro centímetros (sin contar el pelo).
Estoy enloqueciendo con intentar modelarla, colocar bien las notas de valor/saturación, que no quede "dibujada", que no quede sosa/pulida y con especial énfasis en no perder la estructura. Auch.

2. Es la primera vez, lo noto ahora, que hago una pintura sin "sombras fuertes". Es decir, la sombra siempre te da un lugar del cual agarrarte y modelar. Te ayuda a estructurar, en una palabra. En este caso sin embargo, la figura recibe plena luz del día, lo que mata todas las sombras. El volumen se da por sutiles cambios de valor y saturación en un rango muy pequeño. Terrible!!

El grafo del deseo, seguramente...
Óleo sobre tela, 90x70 cm, algo así

Modelo vivo y un cast

2009-12-14T21:49:00.005-03:00

Estudios vió.
Porque hay que seguir estudiando, así es la cosa.
Dibujos con modelo vivo por un lado, de poses cortas (diez/quince minutos, media hora la más extensa; adivinen cuales prefiero...), tratando de capturar sin medir las proporciones, entender las formas, qué está adelante, qué está atrás. Qué lindo eh.

El cast, por otro lado. No se cuantas horas tiene encima y no está terminado.
Nada de esfumar eh. Todo con la agudísima punta del lápiz. La idea es tener un entendimiento aCsoluto del modelado. Nada de copiar valores (mas oscuro, mas claro). Es buscar una compresión espacial: entender que enfrenta más la luz, y qué se repliega con respecto a la misma.

Faneuse 3

2009-11-20T15:58:00.005-03:00

Y comenzamos con la mano. En algunas partes de la cara hay algunas irregularidades, un poco por temas de secado, y otro porque se me ensució hacia el cuello, pero va relativamente bien.

Los dedos mayor e índice está prácticamente terminados (hay algo extraño en la forma en que se inserta la uña... creo que es porque parece estar en otro plano). El resto, apenas insinuado, pero hay que corregir algunos temitas de dibujo.

Lento, pero avanzando.

Faneuse, wip 2

2009-11-07T11:15:00.005-03:00

Y van detalles de la segunda y tercer sesión.
Cuando miro hacia las partes que faltan... se que hasta el momento estuve con lo fácil...

Óleo sobre tela, 70x50 cm.

ps: con ganas de empezar algo propio
ps 2: ah, en EL TALLER, el barcito de Serrano, está siendo expuesta "El movimiento de lo inmóvil" (alias "La colorada en llamas").
ps 3: esto es oleo puro, sin medio, sin diluir. Pastoso.
ps 4: Bouguereau no pintaba asi, parte por parte y en una mano.

Tu turno, William

2009-10-23T01:18:00.006-03:00

Llegó la hora de un nuevo proyecto.
William (Bouguereau, no Shakespeare) representa algo así como la culminación, el pináculo del academicismo francés del siglo XIX. Un dibujante sublime, un pintor tonalista de pieles increíbles y volúmenes creados con poquísimas variantes de valor. Temáticamente, lo concedo, un embole.

Y sí, habíamos pasado por el geométrico Da Messina, seguimos avanzando en el tiempo hasta el esfumato de Leonardo, recorrimos el claroscuro amarillo-naranjoso de Caravaggio, y ahora es el turno de los pálidos grises alizarinos de Bouguereau.

Saldré vivo de esta?
Sólo garantizo algo: esto va a durar muchos meses.

Etapa 1: Bocetos de reconocimiento
Etapa 2: Carbonilla sobre tela
Etapa 3: Let's paint William!

Nota 1: el dibujo tiene algunos problemillas. Cruzo los dedos, y espero ir resolviéndolos a medida que pinto.
Nota 2: La paleta no está del todo enfocada aún. Willy era más gris rosaceo de lo que he logrado hasta ahora.

Shakespereanos, versión final

2009-10-14T13:33:00.012-03:00

Bueno, hela aquí. Tantas vueltas y ya no se sabe qué tiene de mejor ésta que las previas. El final es simplemente una elección, en este caso motivada por el hastío. No es la mejor foto, de hecho es bastante mala, pero muestra aprox. como quedó.

Óleo sobre tela, 70x50 cm, color sobre grisalla.

Shakespereanos, WIP 4

2009-10-06T10:27:00.006-03:00

Último WIP previo a la versión final. Avanzamos un poco con el rostro de la derecha. Aun esta muy pálido, y falta modelar mejor la frente y la mejilla derecha. Despues, la ropa de ambos, y estamos. Cocinado. Creo que es la última vez que intento partir de una grisalla.

ps: es muy dificil obtener el color "real" en la foto. En la foto general, se ve todo más virado al azul de lo que es, y en el detalle, se ve un poco más rojizo de lo que es. En persona (si bien varía mucho con qué tipo de luz lo alumbremos -día, día nublado, luz amarilla, luz blanca- no es ni tan azulado ni tan rojizo.

Shakespereanos, WIP 3

2009-09-28T14:50:00.005-03:00

Horas y horas y apenas se nota la diferencia. La idea es tratar de captar bien las coloraciones de la piel en las distintas zonas. Mas azuladas donde hay hueso, mas rojiza en la nariz y en la mejilla, mas grises o desaturadas a medida que los planos retroceden. Eso, asi tan simple dicho, me está volviendo loco.

Judith

2009-09-25T11:55:00.002-03:00

Oficialmente terminada!

Oleo sobre tabla entelada, 35x50 cm

Delgadas y sutiles capas de color

2009-09-21T11:16:00.007-03:00

Llegamos a la instancia temida. La grisalla está ahí, en todo su poderío gris, dominando al color que por el momento trata, débilmente, de emerger.

En otras palabras: comencé a aplicar la capa de color.
Por el momento, lo voy colocando en capas finas, entre semitransparentes y transparentes, para que el modelado gris que se encuentra debajo sirva, justamente, para retener el efecto de volúmen.

Ahora bien, como la capa de color es semitransparente, el gris hace que su saturación baje, y su valor también. Por lo que estoy, a la vez que agregando color, agregando blanco a la mezcla, para ir levantando el valor de a poco. Un proceso lento, pero por ahora satisfactorio!

Óleo sobre tela, 50x70 cm

Detalle.

Preguntas: no tengo idea de qué color aplicar al fondo.

De exploraciones y técnicas ancestrales

2009-09-14T22:19:00.007-03:00

Y si. Quería probarlo hace tiempo. Así que me estoy dando el gusto.
Lo que voy a presentar aquí, un work in progress offcorss, incluye dos técnicas caídas en desuso. Pero si fue buena para la gente que la ustilizó, por qué no probarla?

La idea es la siguiente.

Etapa 1. Bistre: esto es, tierra sombra natural diluido para cubrir todo, removemos con trementina las zonas donde queremos que haya luz, y oscurecemos agregando pintura si es necesario. Esto para resolver el dibujo, composicion e iluminación general.

Etapa 2: Grisalla. La grisalla tiene mucha historia. La idea es resolver el modelado de las formas, en todo el rango tonal (o escala de valores), para luego, habiendo aislado la variable "valor" (esperemos con éxito) pasar a aplicar el color.

Como hoy en día estamos en una época donde la prisa manda, en general se hace todo de una.
Pero se aprende más así. Puedo asegurarlo!

Y hasta acá llegué. Me falta obviamente la cara de la derecha, y solo después comienza la aplicación de color. MM... qué miedo!

Taller de dibujo y pintura

2009-09-06T21:09:00.001-03:00

¡Y se abrió nomás el blog del taller!
La idea es contar un poco más en detalle de qué se trata, de qué va la cosa, y mostrar el trabajo en progreso de todos los alumnos.

Aún está tomando forma, pero ya pueden verlo aquí!
Taller de dibujo y pintura

Judith, wip 2

2009-09-03T11:27:00.003-03:00

Carbonilla

2009-08-30T17:48:00.006-03:00

Un rápido boceto del mio fratello. (uno de ellos)
Y explorando con cariño la carbonilla, tanto tiempo relegada.
No se cuáles serán sus méritos (del dibujo), pero se disfrutó haciéndolo.

Judith, after Caravaggio

2009-08-21T11:54:00.007-03:00

Nueva aproximación a este método, cuyo nombre técnico se me escapa (window shading, le dicen en inglés) que consiste en pintar parte por parte, tratando de lograr un acabado importante en cada sesión. En este caso, una copia de la Judith de Caravaggio.

En fin, adjunto el proceso en cuestión.

Óleo sobre tabla entelada, 40x50 cm (aprox)
Van 15-20 hs de trabajo, estimo que faltan otras 15 hs para completarla.

En los pliegues

2009-08-18T10:52:00.011-03:00

Hela aquí. La versión final.

Oleo sobre tela, 120x70 cm
Pongo dos fotos, pq la coloración real está en el medio de estas dos.

Work in progress - en los pliegues

2009-08-14T23:06:00.004-03:00

Seguimos trabajando con esta pintura de considerable tamaño. Y me va gustando eh. Tengo algunas complicaciones fruto de haber empezado con mucha "materia", texturas que no debieran estar ahí, pero nada insalvable.

Estoy muy satisfecho con el modelado del perfil de la mujer, está volumétrico, se siente la estructura. Y la capucha, ahí va. Los pliegues de la ropa me están dando bastante trabajo, pero que sería del placer sin lucha? Resta ajustar la mano, la pared del fondo, decidir si va a haber sombra proyectada o no (no debería, por el tipo de luz que tiene el rostro... eso me pasa por mezlcar), y ya estamos.

Óleo sobre tela, 120x70 cm.
Sin nombre aún.

ps: los colores están completamente off en estas fotos. El resto, ok.

Estudio

2009-08-14T23:03:00.002-03:00

Sin mucho convencimiento, posteo este estudio de viejo y niño,
óleo sobre tela, 60x40 cm.

Work in progress

2009-07-28T10:58:00.010-03:00

Aquí, algunas imágenes de la última pintura en la que estoy trabajando. Como podrán ver, esta modalidad de pintura empieza por cubrir toda la tela, y va trabajando de las grandes masas a los detalles (en oposición a otro método -también válido y que también trabajo- de pintar parte por parte, no pasando al área siguiente hasta que la sección en que estoy no tenga un acabado importante).

Óleo sobre tela, 1m20x70.
Sin nombre aún.

ps: no se si se aprecia, pero entre el boceto inicial y como está quedando, hubo cambios de opinión importantes en cuanto al diseño...

¡Vendido!

2009-07-18T20:55:00.003-03:00

En los últimos años, vendí bastantes ilustraciones. Trabajos para tapas de libros, revistas, interiores, etc. Pero cuadros, lo que se dice cuadros, más allá de algunas ofertas inconclusas y arreglos que no terminaron de cerrar, no había vendido ninguno. Hasta ayer. Que conste entonces: el viernes 17/07/20209, vendí mi primer tela. Albricias. :)

Cuestion de Foco. Óleo sobre tela. 90x70 cm.

El aire entre la mirada y los objetos

2009-07-09T00:36:00.001-03:00

Mi vida entera, le dijo Rembrandt al médico, la dediqué a reproducir, no los cuerpos de las personas que me pagaban para que yo las ubique dentro de mis cuadros, no cada nariz y mejilla pelo y vestido que se me puso por delante, sino el aire que existe entre la mirada y los objetos; quise pintar la luz como materia, porque así la vi en el depósito de mi padre. Quise lograr eso, y no sé si pude. Pero dicen que hay otro que sí llegó más lejos que yo: está en España y se llama Velazquez.

Rembrandt, según Daniel Guebel, en Derrumbre.

El movimiento de lo inmóvil

2009-07-05T18:05:00.006-03:00

Esta pintura la había dado por concluída allá por marzo de este año. Sin embargo, no me convencía. Me daba rabia tanto trabajo en el rostro para que, en conjunto, no me gustara. Así que el último mes decidí volver sobre ella. Le hice algunos ajustes en el rostro y destruí el espacio anterior. ¿El resultado? Si bien aún no me convence del todo, me gusta bastante más que antes. Cosa que no es poco.

Óleo sobre tela. 90x60 cm

Detalle:

Concepto: foco divergente

2009-06-24T23:46:00.015-03:00

Se dice que a las pinturas, a las "obras", se las debe dejar hablar o explicarse por sí mismas. Y para ser sincero, hay buenas razones para dejarse seducir por esta idea. La realidad es, sin embargo, que nos la pasamos explicando nuestras intenciones, nuestros deseos, y si bien los "resultados objetivos" pueden decir más, decir menos o simplemente algo distinto a lo que pretendíamos, ese resultado no deja de cargar con esta tensión, ES de hecho la efectuación de esta discordancia. Y la pintura, a pesar del ruido que pueda introducir el tratar de explicarla, si tiene algo que decirle a alguien, lo dirá. Y si no, se encerrará en obstinado mutismo. Es por eso que esta introducción, que no pretende más que una camuflada disculpa por hacer exactamente aquello que en el fondo sospecha incorrecto, se corre milimétricamente de ese lugar, alegando que lo que explicará será únicamente una argucia técnica, un entusiasmo conceptual. ¿Qué idea, qué concepto está detrás de esta pintura? Básicamente, que lo más lejano estuviera definido, enfocado, y lo más cercano, borroso, fuera de foco. Al final era muy simple che.

Óleo sobre tela, 90x70 cm, unas veinte horas.

No se dibujar

2009-05-12T12:34:00.015-03:00

"No se dibujar, ¿para qué intentar aprender dibujo?"
Ésta, sépanlo, es una gran mentira. Es algo más o menos equivalente a decir: "No estoy en estado físico, ¿para qué voy a ir al gimnasio?"

Todo el mundo, y lo digo con mayúsculas y colores rutilantes, TODO EL MUNDO PUEDE APRENDER A DIBUJAR. Lo compruebo una y otra vez, con todos y cada uno de mis alumnos, quienes en su mayoría tienen entre 25 y 50 años y jamás habían dibujado antes (salvo en aquellos gloriosos días de infancia, cuando no teníamos miedo a equivocarnos, a ser juzgados, y mostrábamos cualquier producto que saliera de nuestras manos con orgullo de eximio artesano).

¿En qué consiste aprender a dibujar?
Si bien la respuesta puede variar de persona a persona, por sus búsquedas individuales, inquietudes e intereses, en un plano general, aprender a dibujar consiste básicamente en dos cosas:

Por un lado, y esto representa un 15% cuanto mucho, una mínima gimnasia de la mano y de familiarizarse con los materiales. Pero en segundo lugar, y mucho más importante, aprender a dibujar es aprender a ver. O mejor dicho, re-aprender a ver. Devolver a la mirada ese momento pre-simbólico, cuando el lenguaje no le había puesto equivalente a las cosas que nos rodeaban (simbolito de arbol, simbolito de persona, simbolito de casa…). En otras palabras, aprender a ver allí donde ahora predominan los NOMBRES de las cosas, espacios, formas, recorridos, ángulos, luces y sombras.

Hay un tercer ítem, pero que hace referencia a las búsquedas personales.
Y es, por supuesto, el nivel de la expresión. Eso, mis amigos, es interno. Puede abonarse, pueden prepararse las condiciones, pero como las plantas, no las hacemos crecer, sino que crecen ellas.

Y lo mejor para lograrlo es, justamente, preparar el terreno para que, un día, por propia fuerza, surja nuestra voz.

-------------------------

Hoy puedo decir con orgullo y alegría que he visto progresar increíblemente a todos y cada uno de mis alumnos, casi todas ellos sin ninguna experiencia previa, de edades y backgrounds muy disímiles. Y descubrir, o redescubrir, junto con ellos, el placer de darse un tiempo apartado de todo, para simplemente escuchar el ruido del lapiz contra el papel, viendo cómo en donde nada había, aparece lo que imaginamos.

Para más info, ver qué cosas vemos en clase y conocer trabajos de alumnos, acceder al Taller de Dibujo y Pintura

Contacto: arielgulluni@yahoo.com.ar

Caravaggio

2009-05-08T00:14:00.004-03:00

Copia de Caravaggio, óleo sobre tela, 60x40cm

Óleo sobre tabla II

2009-04-25T19:24:00.009-03:00

Nuevo trabajo de características similares al anterior. Creo que con mejor éxito que la primera. Pero claro, también el original es Davinci!

A nivel comparativo, puede ser interesante señalar que mientras en Piero della Francesca el dibujo, la línea y la geometrización de las formas están muy presentes organizando el trabajo, en Davinci la línea se hace difusa, se pierde, se hace dificil separar el mundo de la luz y de la sombra. Los límites entre ambos se hacen difusos, sutiles, lo que a la hora de pintar resulta un desafío mucho mas interesante, dado que no hay tanto "de donde agarrarse".

Óleo sobre tabla I

2009-04-25T16:38:00.008-03:00

Este trabajo fue realizado entre septiembre y diciembre del 2008, con el exclusivo fin de entrenamiento en una técnica ortodoxa y casi en desuso. Está realizado por entero a pincel redondo fino (2 y 3 para el rostro, 6 para el fondo), con un minucioso trabajo de modelado que deshace casi todo rastro de pincelada, y utilizando permanentemente un tutor para descansar la mano y ejercer la mínima presión sobre la superficie. El soporte es tabla entelada, de 35x50 cm. Sólo dos colores: blanco titanio y tierra sombra natural. El motivo original es de Antonello da Messina.

Nuevas portadas

2009-03-11T16:47:00.006-02:00

Las siguientes tres portadas fueron realizadas entre diciembre y febrero para Ed. Via Magna, a través del estudio de diseño "Quimeras". De izquierda a derecha: "Timothy y las puertas del Dragón", "El Poder del Mago" (Carolina Lozano, Ed. Pegasus) y "Lazos de Sangre" (Pamela Freeman, Ed. Pegasus).

Chiaroscuro

2009-02-10T21:07:00.007-02:00

Mi evidente - y envidiable- talento fotográfico nos deleita una vez más con unas pésimas fotos de mi último óleo sobre tela (60x80 cm). Como no puedo decidir cual es peor, dejo las tres. Una síntesis de las tres lograría recordar -remotamente- el original.

Última pintura de 2008

2009-02-10T10:36:00.006-02:00

Con cierto retraso producto de imposibilidades fotografigénicas, aquí un óleo de cierre del 2008, un ejercicio más, un retrato más, explorando una pincelada distinta.

De balances

2009-01-06T14:59:00.004-02:00

No hay caso, fin de año sugiere mirar atrás y ver qué se hizo, qué pasó.
Y miro atrás y sonrío. Hermoso año, éste que pasó.

Seis portadas de libros (grande Quimeras!)
Seis grandes freelances
Empezar a estudiar pintura en serio (ocho telas en cinco meses!)
Exposición en Objeto-a
Reconciliarme con la enseñanza: 6 Alumnos en casa, 6 alumnos en Objeto-a
Un total de 16 pinturas en tela
Y aunque esto excede listas y enumeraciones, como no decirlo: Conocerla!

Pavada de año!!

Back To Basics

2008-12-12T20:36:00.008-02:00

Tres estudios, todos óleo sobre tela.
Septiembre, octubre y noviembre de 2008.

Algunas portadas

2008-12-09T14:58:00.009-02:00

He aquí dos trabajos para portadas de libros; el tercero, un boceto de yapa.
Todos, bocetos a lapiz, despues wacom.

De jovenes artistas posmodernos*

2008-10-27T15:45:00.006-02:00

"No iba a imitar a la naturaleza**, así que, en vez de pintar un jazmín, puse un jazmín en un baúl y lo presenté en la galería. Quedaron encantados"

"Me re-interpela tu trabajo"

---------------------------------------
* Lo arriba citado fue escuchado al pasar.
** Horror! la representación! Dios nos proteja de tamaña calamidad.
Algún día habrá que explayarse para derribar el mito de la imitación, si me perdonan la espantosa cacofonía; demostrar que la pintura realista, o al menos, cierto tipo de pintura realista, no trata en absoluto con la imitación. Ilusión, quizá si, lo concedo. Tengo la sospecha que este tipo de argumentos lo único que demuestran es que, por más que tratase, la persona en cuestión no hubiese podido pintar un jazmin convincente en su vida. Un jazmin que hasta parezca latir, vivir, olerse. Pero, como dicen:"la naturaleza ya lo ha hecho, y lo ha hecho mejor; para que repetirlo?"

De citas

2008-10-21T11:41:00.004-02:00

That you can learn the rules of painting and then, cameralike, reproduce whatever you see on your canvas is a misconception that is partly responsible for the notion that only those painters who distort reality are using their creativity.
Gregg Kreutz

The biggest difference between twentieth-century painting and the painting that preceded it is depth: modern painting isn't concerned with it. Modern painting is about flatness; it explores possibilities of a flat canvas. Klee, Picasso, Mondrian, Pollock, Motherwell, all of them, to a greater or lesser extent, champion the two-dimensional surface.The “integrity of the picture plane” is what they are exploring.
Even the new realism that's emerged over the last fifteen years doesn't violate that flat sensibility.The new realist paintings, for the most part, are derived from, and look like, photographs. The viewer's reaction isn't "Doesn't that look real!" but, "Doesn’t that look like a photograph!".Flatness is preserved. Why a whole culture should have renounced such a rich tradition as chiaroscuro painting is a big puzzlement.
Gregg Kreutz

If I were an artist, I wouldn’t paint.
Odd Nerdrum

Óleo finalizado

2008-10-17T11:47:00.005-03:00

He aquí la versión final. Sólo le falta barnizarlo. Posiblemente no se perciban muchas diferencias respecto a la versión anterior, pero, aunque sutiles, estas diferencias existen, creanmé. Le di más calidez a las sombras, apliqué veladuras, suavicé un poco el rostro femenino, mejoré los cabeios, etc.

(pintura censurada)
Sin título. Óleo sobre tela. 60x70 cm

De yapa, detalle de otra pintura: